El estilo gótico empezó con la arquitectura en el siglo XII, en la cumbre de la Edad Media, cuando Europa estaba dejando tras de sí la memoria del «oscurantismo» y se adentraba en una radiante nueva era de prosperidad y confianza. Al mismo tiempo, la cristiandad entraba en una fase nueva y triunfante de su historia, así que la época de los caballeros fue también la época de la construcción de las magníficas catedrales góticas, como las que encontramos en las ciudades del norte de Francia: Chartres, Reims y Amiens. En cuanto a la pintura, el cambio al nuevo estilo se hizo visible alrededor de un siglo después de que se erigiese la primera de estas catedrales. En contraste con el románico y el bizantino,la característica más llamativa del arte gótico es un aumento del naturalismo. Esta cualidad, que apareció por primera vez en las obras de los artistas italianos de finales del siglo XIII, se convirtió en el estilo pictórico dominante en toda Europa hasta finales del siglo xv.El término «gótico», más que describir una serie identificable de características, denota un período de tiempo. Aunque en el estilo gótico encontramos ciertas características reconocibles, es más fácil que las numerosas manifestaciones de arte gótico cobren sentido si tenemos en cuenta que el período abarcó más de doscientos años y que su influencia se extendió por toda Europa. Los italianos fueron los primeros en utilizar el término «gótico», y lo hicieron de modo despectivo para definir un tipo de arte que se producía a finales del Renacimiento, pero que tenía una apariencia medieval. La palabra era una referencia al «pasado bárbaro», en particular a los godos, un antiguo pueblo germánico del norte cuyos ejércitos invadieron Italia y saquearon Roma en el año 410. Al final, la palabra «gótico» perdió su significado despectivo y se adoptó como término más amplio para describir el nuevo estilo de arquitectura y arte que surgió después del Románico y antes del Renacimiento.
La influencia de la arquitectura góticaEl elemento innovador que separó las iglesias del período gótico de la arquitectura románica fue un nuevo tipo de construcción de techos, la bóveda. Con esta estructura reforzada, las paredes que actuaban de soporte no tenían que ser tan gruesas. Además, se emplearon arbotantes que actuaban como contrafuertes en la parte exterior del edificio para que así no fuese necesario que todo el peso del techo lo soportasen las columnas y las paredes. Por lo tanto, las paredes podían ser más delgadas y disponer de grandes zonas dedicadas alas cristaleras, lo que permitía que entrase más luz. Un concepto érroneo muy común sobre la arquitectura gótica es que el arco apuntado fue una de sus innovaciones. Lo cierto es que no eran nuevos, aunque sí fueron mucho más populares. De forma mucho más variada que los arcos semicircuIares, ofrecen al arquitecto una mayor libertad de elección.Las primeras iglesias que se construyeron en estilo gótico fueron las de Francia, y destacan las de Notre Dame, en París; Saint Denis, en París, y la de Chartres. Un estilo similar, pero menos elaborado, apareció en Inglaterra, por ejemplo en Salisbury; y también se construyeron iglesias góticas en Alemania, Italia, España y Holanda. En todas destaca el uso sorprendente y revolucionario de la vidriera. Con él fluía hacia el interior luz coloreada, que creaba una atmósfera nueva y sobrenatural. Mientras que anteriormente cada panel coloreado se sujetaba con albañilería de piedra, los artesanos góticos aprendieron a hacer un emplomado para sujetar el vidrio. El arte de hacer vidrieras policromadas alcanzó su punto álgido en la iglesia de Sainte Chapelle en París (arriba), donde las ventanas constituyen tres cuartas partes de la pared.
La influencia de la arquitectura góticaEl elemento innovador que separó las iglesias del período gótico de la arquitectura románica fue un nuevo tipo de construcción de techos, la bóveda. Con esta estructura reforzada, las paredes que actuaban de soporte no tenían que ser tan gruesas. Además, se emplearon arbotantes que actuaban como contrafuertes en la parte exterior del edificio para que así no fuese necesario que todo el peso del techo lo soportasen las columnas y las paredes. Por lo tanto, las paredes podían ser más delgadas y disponer de grandes zonas dedicadas alas cristaleras, lo que permitía que entrase más luz. Un concepto érroneo muy común sobre la arquitectura gótica es que el arco apuntado fue una de sus innovaciones. Lo cierto es que no eran nuevos, aunque sí fueron mucho más populares. De forma mucho más variada que los arcos semicircuIares, ofrecen al arquitecto una mayor libertad de elección.Las primeras iglesias que se construyeron en estilo gótico fueron las de Francia, y destacan las de Notre Dame, en París; Saint Denis, en París, y la de Chartres. Un estilo similar, pero menos elaborado, apareció en Inglaterra, por ejemplo en Salisbury; y también se construyeron iglesias góticas en Alemania, Italia, España y Holanda. En todas destaca el uso sorprendente y revolucionario de la vidriera. Con él fluía hacia el interior luz coloreada, que creaba una atmósfera nueva y sobrenatural. Mientras que anteriormente cada panel coloreado se sujetaba con albañilería de piedra, los artesanos góticos aprendieron a hacer un emplomado para sujetar el vidrio. El arte de hacer vidrieras policromadas alcanzó su punto álgido en la iglesia de Sainte Chapelle en París (arriba), donde las ventanas constituyen tres cuartas partes de la pared.
La aparición de la pintura gótica
La pintura gótica tuvo sus comienzos en Italia. Aquí, en el siglo XIII, la pintura seguía dominada por el arte bizantino, conocido como "a la manera griega", La pintura fue mucho más lenta que la arquitectura y l aecultura en asimilar la influencia gótica, y no fue hasta finales del siglo XIII cuando el estilo gótico apareció en pintura, en las preciosas pinturas de tablas de Florencia y Siena. La pintura gótica temprana era más realista que el arte románico y bizantino. Se aprecia una clara fascinación por los efectos de la perspectiva y por la creación de la ilusión de un espacio de apariencia real.Muchas de la pinturas son delicadas y suntuosamente elegantes. Otras características del gótico temprano son el interés por la narración pictórica y una gran expresión de la espiritualidad, muchas veces apasionada.
Alejamiento del arte bizantino
El artista más importante que trabajó en Florencia a finales del siglo XIII fue Cimabue (Cenni di Peppi, h. 1240-h. 1302), a quien generalmente se le considera maestro de Giotto. Se le han atribuido tantas obras que su nombre casi ha llegado a representar a un grupo de artistas de ideas similares más que a un individuo, aunque sabemos que existió. Aunque Cimabue fue un pintor de estilo bizantino, hizo mucho por liberarse de la imagen plana tradicional de la pintura de iconos. Con ello dio los primeros pasos en busca del realismo que ha desempeñado un papel tan importante en la pintura occidental. Sabemos que en 1272 Cimabue viajó a Roma, que entonces era el centro en Italia para los muralistas. Los pintores de murales y los creadores de mosaicos de esa época estaban particularmente interesados en conseguir un mayor naturalismo en sus obras, y quizá Cimabue compartiese esta preocupación. Su obra más conocida es su Maestá (izquierda) que originalmente estaba en el altar de la iglesia de Santa Trinita, en Florencia. La palabra maestá significa «majestad», y se utilizaba para hacer referencia a las pinturas de la VIrgen y el Niño en las que María está sentada en un trono rodeada de ángeles. La Maestá de Cimabue posee una gran dulzura y dignidad, y sobrepasa en contenido emocional a las figuras rígidas y estilizadas de los iconos bizantinos. El tratamiento de la suave textura de los tejidos y el «abierto» espacio tridimensional creado por el taraceado del trono en el que están sentados la Virgen y el Niño constituyen técnicas nuevas y emocionantes.
GIOTTO, PADRE DE LA PINTURA OCCIDENTAL
Mientras que Duccio fue un intérprete del arte bizantino, Giotto (Giotto di Bondone, h. 1267- 1337), su gran contemporáneo florentino, lo transformó. Su revolucionario enfoque de la forma y su manera de representar el espacio «arquitectónico» realista (sus figuras son a escala en relación con los edificios y los paisajes que las rodean) marcan un gran salto hacia delante en la historia de la pintura. Se considera que la pintura gótica alcanzó su cumbre con Giotto, quien tan espléndidamente sumó y revigorizó todo lo que se había hecho antes de él. Por primera vez tenemos en la pintura europea lo que el historiador Michael Levey denomina «una gran personalidad creativa». Sin embargo, la verdadera era de las «personalidades» fue el Renacimiento, y no es por casualidad que los escritores de la época siempre empiecen con Giotto. Como un gigante, abarca los dos períodos, ya que era de su época y se adelantó a ella. No obstante, sus fechas lo sitúan en el período que llamamos gótico, con su clima de gracia espiritual y el deleite primaveral en la frescura del color y en la belleza del mundo visible. Lo que los artistas góticos consiguieron fue representar una solidez de forma donde los pintores anteriores habían mostrado un mundo lineal, falto de volumen y con poca sustancia, a pesar de su fuerza espiritual.
Las influencias de Giotto
Sabemos que Giotto fue a Roma en 1300 y que pintó un fresco en el Palacio de Letrán. Entendió las innovaciones de Pietro Cavallini , el artista romano cuyos frescos y mosaicos muestran una sorprendente comprensión del naturalismo. Los frescos de Giotto no asimilaron la influencia romana dentro del estilo bizantino, como sí hizo la pintura de tablas de Cimabue; fueron más lejos y la superaron. Para Giotto, el mundo real era primordial. Tenía una verdadera disposición para captar la forma natural, una solidez escultural y una humanidad que cambiaron el curso del arte.Los grandes escultores italianos de la época, Nicola Pisano (m. 1278) y su hijo Giovanni (h. 1250 hasta después de 1314), fueron iguales que Giotto en grandeza e innovación, e importantes para la forma en que Giotto visualizó su mundo. Nicola Pisano se trasladó a vivir a la Toscana, la provincia donde nació Giotto, en 1250. Se dedicó al estudio de .las esculturas de la Roma clásica, trajo consigo una nueva y vital influencia; su principal inspiración era el arte gótico del norte de Europa. La corte francesa de Anjou, que se había establecido en Nápoles alrededor de 1260, aportó una nueva influencia para la escultura italiana. El arte de Pisano mostraba una convincente solidez de forma y una individualidad humana, muy lejos de la naturaleza bastante inexpresiva del resto de esculturas realizadas en Toscana en esa época.Si observamos las pinturas de Giotto en relación directa con las esculturas de Pisano, se explica el salto pictórico de Giotto: la forma escultural y el espacio han entrado en la superficie lplana de la pintura, y ésta respira, liberada al fin de la rígida y estilizada tradición bizantina.Las pinturas de tablas de Giotto son necesariamente más pequeñas que sus frescos, pero en ellas parece superar el tamaño. Incluso una pequeña Madona y Niño (izquierda) posee un peso de significado humano que la hace parecer más grande. María nos mira con dignidad, y el Niño regio, está sentado en su brazo como si de un trono se tratase. Sin embargo, no se nos mantiene a distancia: nos acercamos con respeto, pero nos alejamos sin timidezpor Milko
Mientras que Duccio fue un intérprete del arte bizantino, Giotto (Giotto di Bondone, h. 1267- 1337), su gran contemporáneo florentino, lo transformó. Su revolucionario enfoque de la forma y su manera de representar el espacio «arquitectónico» realista (sus figuras son a escala en relación con los edificios y los paisajes que las rodean) marcan un gran salto hacia delante en la historia de la pintura. Se considera que la pintura gótica alcanzó su cumbre con Giotto, quien tan espléndidamente sumó y revigorizó todo lo que se había hecho antes de él. Por primera vez tenemos en la pintura europea lo que el historiador Michael Levey denomina «una gran personalidad creativa». Sin embargo, la verdadera era de las «personalidades» fue el Renacimiento, y no es por casualidad que los escritores de la época siempre empiecen con Giotto. Como un gigante, abarca los dos períodos, ya que era de su época y se adelantó a ella. No obstante, sus fechas lo sitúan en el período que llamamos gótico, con su clima de gracia espiritual y el deleite primaveral en la frescura del color y en la belleza del mundo visible. Lo que los artistas góticos consiguieron fue representar una solidez de forma donde los pintores anteriores habían mostrado un mundo lineal, falto de volumen y con poca sustancia, a pesar de su fuerza espiritual.
Las influencias de Giotto
Sabemos que Giotto fue a Roma en 1300 y que pintó un fresco en el Palacio de Letrán. Entendió las innovaciones de Pietro Cavallini , el artista romano cuyos frescos y mosaicos muestran una sorprendente comprensión del naturalismo. Los frescos de Giotto no asimilaron la influencia romana dentro del estilo bizantino, como sí hizo la pintura de tablas de Cimabue; fueron más lejos y la superaron. Para Giotto, el mundo real era primordial. Tenía una verdadera disposición para captar la forma natural, una solidez escultural y una humanidad que cambiaron el curso del arte.Los grandes escultores italianos de la época, Nicola Pisano (m. 1278) y su hijo Giovanni (h. 1250 hasta después de 1314), fueron iguales que Giotto en grandeza e innovación, e importantes para la forma en que Giotto visualizó su mundo. Nicola Pisano se trasladó a vivir a la Toscana, la provincia donde nació Giotto, en 1250. Se dedicó al estudio de .las esculturas de la Roma clásica, trajo consigo una nueva y vital influencia; su principal inspiración era el arte gótico del norte de Europa. La corte francesa de Anjou, que se había establecido en Nápoles alrededor de 1260, aportó una nueva influencia para la escultura italiana. El arte de Pisano mostraba una convincente solidez de forma y una individualidad humana, muy lejos de la naturaleza bastante inexpresiva del resto de esculturas realizadas en Toscana en esa época.Si observamos las pinturas de Giotto en relación directa con las esculturas de Pisano, se explica el salto pictórico de Giotto: la forma escultural y el espacio han entrado en la superficie lplana de la pintura, y ésta respira, liberada al fin de la rígida y estilizada tradición bizantina.Las pinturas de tablas de Giotto son necesariamente más pequeñas que sus frescos, pero en ellas parece superar el tamaño. Incluso una pequeña Madona y Niño (izquierda) posee un peso de significado humano que la hace parecer más grande. María nos mira con dignidad, y el Niño regio, está sentado en su brazo como si de un trono se tratase. Sin embargo, no se nos mantiene a distancia: nos acercamos con respeto, pero nos alejamos sin timidezpor Milko
A. García Torres Recopilación del libro "Historia de la pintura. Guía esencialpara conocer la historia del arte occidental". Wendy Beckett.
No hay comentarios:
Publicar un comentario